"Las dos Fridas" versión Catrina Bohemia
...(English version below)
Una amiga muy querida me preguntó si no tenía en mente pensado hacer la versión de Las dos Fridas al estilo de La Catrina Bohemia, porque a ella le gusta esta obra y quería adquirirla. Me gustan los retos y lo tomé como un reto, no soy fan de Frida pero conociendo su trabajo y su vida puedo entenderla y apreciar su trabajo.
Esta pintura al final me ha gustado y he disfrutado mucho hacer esta versión, espero disfruten estas líneas sobre la obra de Las dos Fridas.
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“Las dos Fridas” doble autorretrato, terminado en 1939, año en que se divorcia del muralista mexicano Diego Rivera. Se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, en México.
Frida Kahlo a través de esta obra se ve su dualidad y la expresión del profundo dolor que sentía a causa del final de su matrimonio, una relación complicada llena de problemas y heridas emocionales. Este fue el primer autorretrato a gran escala, el tamaño simboliza el gran vacío que sentía en su interior, expresando a través del uso de un gran espacio porque solo ahí podía caber ese enorme sufrimiento.
Tenemos las figuras femeninas casi inexpresivas que contrasta con el fondo de amenazantes nubes, reflejo de los dolores físicos y emocionales que mantuvo prácticamente toda su vida. Las sombrías nubes contrastan con los vivos colores del resto de la composición, y los sentimientos encontrados.
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Las figuras de las dos mujeres, ambas están sentadas en un banco tejido, están tomadas de la mano. Lo que muestra unión tanto emocionalmente (a través del corazón), como racionalmente (a través del acto de las manos tomadas). Se piensa también que puede ser una referencia a su amiga imaginaria que tuvo a la edad de los 6 años cuando estuvo convaleciente por poliomelitis. Algunos historiadores del arte sugieren que ambas figuras simbolizan esa herencia dual de Frida. Su padre, Guillermo Kahlo, era alemán, mientras su madre, Matilde Calderón, era mestiza.
La mujer de la derecha representa a la Frida casada. Vestida con traje típico mexicano colorido “tehuano”. Era el vestido favorito de su esposo. Es usado como signo de su nacionalidad mexicana y del amor que tenía por su marido. Se ve a una mujer que una vez estuvo enamorada, con el corazón fuerte, grande y latiendo a gran velocidad, ella tiene en su mano derecha un mini retrato de su ser amado.
A la izquierda se representa a la Frida divorciada. Vestida en encaje blanco estilo victoriano europeo. El vestido y el estilo era el que menos le gustaba a su exmarido. Al parece estar inspirado en el traje de novia de su madre, lo que sugiere una cierta inocencia inmaculada que es manchada con la sangre que derrama la arteria de su corazón ingenuo.
Aunque las dos tienen corazón expuesto, esta última lo tiene incompleto, esto demuestra que una parte de ella se murió con la separación, dejándola a la deriva en un mundo lleno de sufrimiento que ella intenta cortar con las tijeras que lleva ella misma. Su vestido blanco se ve manchado por la sangre que cae, esto simboliza que ahora es una mujer manchada porque está divorciada, cosa que para esa época era algo muy raro y la gente solía juzgar mucho a las mujeres que pasaban por esto. Pero a su vez esas manchas las convierte en flores que para mí representaría la resilencia y partiendo de su dolor salir adelante reconstruyéndose.
El corte de la arteria es un acto premeditado, que podemos observar a través de la tijera en su mano derecha.
Un elemento simbólico en esta obra son las rojas arterias. Estas sirven de transfusión sanguínea, conectando y nutriendo a las dos mujeres.
La imagen del retrato del niño-Diego que sostiene en la mano la Frida casada está conectado mediante un arteria al corazón. Sin embargo la arteria, que sale del corazón de la Frida europea, derrama sangre a causa de un corte de tijera. Una acción que sirve de símbolo de la ruptura matrimonial y los diversos abortos de la artista Frida Kahlo.
En el mismo año que terminó esta pintura (1938) hace su primera exposición individual en Nueva York, con texto de André Bretón
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...ENGLISH
🇬🇧 A very dear friend asked me if I had not planned to do the version of Las dos Fridas in the style of La Catrina Bohemia, because she likes this work and wanted to acquire it. I like challenges and I took it as a challenge, I am not a fan of Frida but knowing her work and her life I can understand her and appreciate her work.
At the end I liked this painting and I enjoyed remaking it, I hope you enjoy these lines about the work of Las dos Fridas.
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“Las dos Fridas” double self-portrait, completed in 1939, the year in which he divorced the Mexican muralist Diego Rivera. It is currently in the Museum of Modern Art in Mexico City, in Mexico.
Frida Kahlo through this work shows her duality and the expression of the deep pain she felt because of the end of her marriage, a complicated relationship full of emotional problems and wounds. This was the first self-portrait on a large scale, the size symbolizes the great emptiness that he felt inside, expressing through the use of a large space because only there could that enormous suffering fit.
We have the almost expressionless female figures that contrasts with the background of threatening clouds, a reflection of the physical and emotional pain that he maintained practically all his life. The gloomy clouds contrast with the vivid colors of the rest of the composition, and the mixed feelings.
The figures of the two women, both sitting on a woven bench, are holding hands. What shows union both emotionally (through the heart), and rationally (through the act of holding hands). It is also thought that it may be a reference to her imaginary friend that she had at the age of 6 when she was convalescing from polio. Some art historians suggest that both figures symbolize Frida's dual heritage. His father, Guillermo Kahlo, was German, while his mother, Matilde Calderón, was mestizo.
The woman on the right represents the married Frida. Dressed in typical colorful Mexican “Tehuano” costume. It was her husband's favorite dress. It is used as a sign of her Mexican nationality and the love she had for her husband. You see a woman who was once in love, with a strong, big heart and beating fast, she has in her right hand a mini portrait of her loved one.
On the left, the divorced Frida is represented. Dressed in white lace Victorian European style. The dress and the style was the one that her ex-husband liked the least. Al seems to be inspired by his mother's wedding dress, suggesting a certain immaculate innocence that is stained with the blood that spills from the artery of his naive heart.
Although both have an exposed heart, the latter has it incomplete, this shows that a part of her died with the separation, leaving her adrift in a world full of suffering that she tries to cut with the scissors that she carries herself. Her white dress is stained by the blood that falls, this symbolizes that she is now a stained woman because she is divorced, which at that time was something very rare and people used to judge women who went through this a lot.
The cutting of the artery is a premeditated act, which we can observe through the scissors in his right hand.
A symbolic element in this work are the red arteries. These serve as a blood transfusion, connecting and nurturing the two women.
The image of the portrait of the boy-Diego holding the married Frida in his hand is connected to the heart by an artery. However, the artery, which comes out of the heart of the European Frida, sheds blood due to a scissor cut. An action that serves as a symbol of the marriage breakdown and the various abortions of the artist Frida Kahlo.
In the same year that she finished this painting (1938) she made her first solo exhibition in New York, with a text by André Bretón
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